Buvette: «The Never Ending Celebration»

buvette-marie-taillefer-3_WEBDie neugierigste und furchtloseste Musik wird nicht in den Zentren dieser Welt geschaffen, sondern stammt aus den Provinzen. Das ist auch in der Schweiz nicht anders. Ein Beispiel ist Cédric Streuli aus Leysin, der unters einem Alias Buvette im Sommer sein bereits drittes Album «The Never Ending Celebration» veröffentlicht hat. Erschienen auf dem französischen Label Pan European Recordings, geht Buvette den Weg, der vom grellen, enorm lustigen und unterhaltsamen Pop seiner Anfangstage wegführt, weiter. Ein Weg, den er bereits auf seiner zweiten, in sich gekehrteren Platte «Palapa Lupita» eingeschlagen hatte – wie auch auf «Airplane Friendship», das dieses Jahr mit dem «Best Swiss Video»-Award ausgezeichnet wurde.

Neu ist aber die Orientierung hin zum Song: Beispielhaft dafür steht die Single «The Never Ending Party», auf der Buvette die elektronischen Kicks und Sounds behutsam zu einem Song zusammenbaut. Ein Song, der nicht auf den schnellen Effekt zielt, sondern dank dem hell-fröhlichen Refrain lange nachhallt:

«The Never Ending Celebration» ist auch ein Album, in das man sich reintanzen kann – wie bei «The Sun Disappeared» und bei «Living in a Painting», dem späten Höhepunkt der Platte –, ehe Buvette die Gitarre auspackt und das Album mit dem spanisch gesungenen «El Nuevo Paraiso» endet. So bleibt Buvette – auch dank seinem eigenen Label Rowboat Records – einer der eigenständigsten Popforscher der Schweiz, der immer noch viel zu unbekannt ist.

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Hell’s Kitchen “Red Hot Land”

HELLS-KITCHEN-Red-Hot-Land« Laisse moi essayer quelque chose de neuf » entend-on, d’une voix plaintive, au détour du cinquième album des Hell’s Kitchen, « Red Hot Land ». Passé de Dixiefrog à Moi J’connais, le label des amis de Mama Rosin, les vétérans du blues genevois, quinze ans de scène au compteur, ont voulu aller voir ailleurs si le Delta y était. Ho, bien sûr, les acteurs de base sont toujours en place, Bernard Monney et sa voix broussailleuse au dessus du bottleneck, Cédric Taillefert et sa batterie faussement déphasée, Christophe Ryser et sa basse foudroyante.

Mais, à l’inverse du blues classique, identifiable à l’enfer guindé où des serveurs coincés débitent mécaniquement leurs syncopes précises et prévisibles, le trio genevois semble s’être mué en garçon de rade prêt à faire trembler les assiettes sur son bras tatoué : on croit s’attendre à un plat, un plan, une attitude, et c’est toute autre chose qui arrive.

« Red Hot Land » rompt un peu plus avec leur goût du blues minimaliste. Là un rythme de marche militaire dérisoire, ici un banjo qui parle tout seul, une corde un peu aléatoire répond à une mélodie précise, un vrai refrain fait contrepoint à un yaourt rockab, une ambiance New Orleans laisse la place à un accès de cris sauvages. Et s’il s’entend encore, leur blues sauvage des alpages s’efface derrière des balancements folkpop. A qui la mue ? À Robin Girod de Mama Rosin, à la fois producteur et compagnon d’entrain, venus apporter sa gouaille échevelée sur certains morceaux. A Matt Verta-Ray, à plus forte raison : la moitié de Heavy Trash, qui a mixé l’album à New York tout en s’invitant lui aussi sur certains titres, a contribué à trouver le son juste. Celui qui relie les énergies primales de Hell’s Kitchen à ses meilleures idées.

Disque
Hell’s Kitcehn “Red Hot Land” (Moi J’Connais/Irascible)

Concerts en France:
Paris, Mécanique Ondulatoire, le 12 novembre 2014
Lyon, bar des Capucins, le 13 novembre 2014
Annecy, Le Brise Glace, le 14 novembre 2014

Fontaine, La Source, le 15 novembre 2014

 

The Who Trio presents “The Who Zoo”

The Who ZooFrom the opening, assured double bass note and urgent cymbal tapping to piano notes peeking shyly out, the quality of The Who Zoo is apparent. The acoustic side of this limited release, double album uphold the trio’s aim: to respectfully work on the art of improvisation.

It sounds like a whale singing of unrequited love

The track Rembellarun stands out for feeling like an actual composition, all be it a dreamlike one with Michel Wintsch at his melancholic best and Gerry Hemingway providing an edge by literally scraping the side of a cymbal. It sounds like a whale singing of unrequited love. Just when the percussive ideas begin to dominate, in rides a piano rebuff – a few notes delivered with confidence and defiance.

Hemingway is a constant imaginative presence sensitively patting out ideas and allowing cymbals to whisper sweet nothings around the hook line in Demmpa. Bänz Oester tunes in, but asserts his own ideas with an intimate knowledge of strokes, caresses and pulls of his bass strings. The inventiveness of his playing borders on the magical.

I like it when they get raw and primal

I didn’t like Sloeperr to begin with, then at nine minutes in, on maybe the third listen, I got goosebumps and almost tears in my eyes as the warped hymn lines and piano poundings, bass vibrations and beatings and rattling drum funk entangled me in an emotional net. I like it when they get raw and primal. They can handle it without resorting to cliché. There are times when I’m certain Hemingway could get in chops and licks but he keeps it organic, all three staying riveted to the present moment. This favouring of the integrated ‘group solo’ enables an uninterrupted onslaught.

Hemingway was a name in the ‘loft scene’ of 1970s New York where free jazz had laid the foundation and was developed by new creatives such as Joe McPhee, Don Pullen and David Murray. His presence is powerful but his depth of experience is matched by Oester and Wintsch. Michel embroiders the music with runs that sound like glass beads scattering and exquisite melodies that seem to trickle from a Peter Greenaway film soundtrack.

How I’d love to hear Oester on electric bass

The second CD is mis-titled as ‘Electric’. I was expecting Wintsch on Fender Rhodes and how I’d love to hear Oester on electric bass, but in fact at the core of these longer improvisations are the acoustic instruments with what seems to be decorative strokes of synthesiser, electric sound effects and noodlings. ‘Acoustic Plus’ may have been a better description.

This release has a multitude of textures and thoughts: dry, scraping grief, assertive fury and vulnerable beauty. Although I wouldn’t have complained at even more variety, it’s quite an achievement to capture improvised music as it should be heard – live. The Who Zoo is an exploration of the potency of improvisation and all venues interested in such music should book them now.

The WHO Trio, The Who Zoo (Auricle Records / Nagual Music)
The Who Trio
Auricle Records

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